Какова цель искусства

Каковы цели искусства?

Подробности Категория: Об искусстве Опубликовано 27.03.2014 14:18 Просмотров: 8963

Очень часто, обратившись к какому-то произведению искусства, мы невольно задаёмся вопросом: для чего? Для чего написана эта книга? Что хотел сказать данной картиной художник? Почему так сильно затронуло нас именно это музыкальное произведение?

С какой целью вообще создаётся произведение искусства? Известно, что никакой другой вид животных, кроме Homo sapiens, не может быть творцом искусства. Ведь искусство выходит за пределы просто полезного, оно удовлетворяет иные, высшие потребности человека.
Конечно же, не существует какой-то одной причины для создания различных произведений искусства – причин много, как много и толкований.
По цели создания произведения искусства можно разделить на мотивированные и немотивированные.

Немотивированные цели

Часто можно услышать: «Душа поёт!», «Слова сами рвутся наружу!» и подобные высказывания. Что это означает?
Это значит, что у человека возникла потребность выразить себя, свои чувства и мысли. Способов выражения существует множество. Видели ли вы когда-нибудь надписи на дереве (скамейке, стене) примерно такого содержания: «Здесь был Ваня» или «Серёжа+Таня»? Конечно, видели! Человеку так хотелось выразить свои чувства! Можно, конечно, эти же чувства выразить и по-другому, например, так:

Я помню чудное мгновенье:

Передо мной явилась ты…

Но… Кстати, именно поэтому приобщать к искусству детей следует с очень раннего возраста, чтобы способы самовыражения у них впоследствии были более разнообразными.
К счастью, есть люди с богатым воображением и глубоким внутренним миром, которые могут выразить свои чувства и мысли так, что они увлекут других людей, и не только увлекут, но и заставят иногда пересмотреть собственный внутренний мир и свои установки. Создать такие произведения искусства могут люди, в душе которых инстинктивно присутствует гармония, чувство ритма, что сродни природе. А вот Альберт Эйнштейн считал, что целью искусства является стремление к загадочности, способность ощутить свою связь со Вселенной: «Самое прекрасное, что мы можем испытать в жизни – это загадочность. Она является источником всякого настоящего искусства или науки». Что ж, с этим тоже невозможно не согласиться.

Леонардо да Винчи «Мона Лиза» («Джоконда»)

И примером тому является «Мона Лиза» («Джоконда») Леонардо да Винчи, загадочную улыбку которой не могут разгадать до сих пор. «Скоро уж четыре столетия, как Мона Лиза лишает здравого рассудка всех, кто, вдоволь насмотревшись, начинает толковать о ней», — с долей горькой иронии сказал об этом в конце XIX в. Грюйе.

Воображение, свойственное человеку, также является немотивированной функцией искусства. Что это означает? Не всегда можно выразить словами то, что чувствуешь. Об этом хорошо сказал русский поэт Ф. Тютчев:

Как сердцу высказать себя?
Другому как понять тебя?
Поймёт ли он, чем ты живёшь?
Мысль изречённая есть ложь.
(Ф.И. Тютчев «Silentium!»)

И вот тогда звучит музыка, создаются художественные полотна, да мало ли существует способов, чтобы «сердцу высказать себя»! Мы уже говорили с вами о видах и жанрах искусства, смотрите на нашем сайте: Виды и жанры искусства.

Есть и ещё одна функция у искусства, которая является одновременно и его целью: возможность обратиться к целому миру. Ведь то, что создано (музыка, скульптура, стихи и др.) отдаётся людям.

Мотивированные цели

Здесь всё понятно: произведение создаётся с заранее заданной целью. Цель может быть разной, например, обратить внимание на какое-то явление в обществе. Именно с этой целью создавался роман Л.Н. Толстого «Воскресение».

Л.Н. Толстой

Иногда художник создаёт своё произведение в качестве иллюстрации к произведению другого автора. И если у него это получается очень хорошо, то возникает новое, уникальное произведение другого вида искусства. Примером являются музыкальные иллюстрации Г. В. Свиридова к повести А.С. Пушкина «Метель».

Г.В. Свиридов
Произведения искусства могут создаваться и для развлечения: например, мультфильмы. Хотя, конечно, хороший мультфильм не просто развлекает, но обязательно доносит до зрителей какие-то полезные эмоции или мысли.
В начале XX в. создавалось много необычных произведений, которые получили название авангардного искусства. В нём выделяют несколько направлений (дадаизм, сюрреализм, конструктивизм и др.), о которых более подробно мы поговорим в дальнейшем. Так вот целью авангардного искусства было провоцирование политических перемен, это искусство напористое, бескомпромиссное. Вспомните стихи В. Маяковского.
Оказывается, целью искусства может быть даже оздоровление человека. Во всяком случае, так считают психотерапевты, использующие музыку для релаксации, цвет и краски – для воздействия на психическое состояние личности. Ведь недаром же говорят, что словом можно убить, но можно и спасти.

Есть слова – словно раны, слова – словно суд,-
С ними в плен не сдаются и в плен не берут.
Словом можно убить, словом можно спасти,
Словом можно полки за собой повести.
Словом можно продать, и предать, и купить,
Слово можно в разящий свинец перелить.
(В. Шефнер «Слова»)

Существует даже искусство для социального протеста – это так называемый стрит-арт, самой известной разновидностью которого является искусство граффити.

Главное в стрит-арте – вовлечь зрителя в диалог и показать свою программу видения мира, мышления. Но здесь надо быть очень внимательным: граффити могут быть незаконны и представлять собой форму вандализма, если без разрешения наносятся на автобусы, поезда, стены домов, мосты и другие заметные места.

И, наконец, реклама. Можно ли считать её искусством? В какой-то степени да, потому что она хотя и создаётся с целью продвижения коммерческого продукта путем создания положительного к нему отношения, но может быть выполнена на высоком художественном уровне.
Все названные нами функции искусства могут существовать (и существуют) во взаимодействии, т.е. можно, например, развлекать и одновременно что-то скрытно рекламировать.
Следует отметить, что, к сожалению, одной из характерных черт искусства эпохи постмодерна (после 1970-х годов) является рост утилитарности, нацеленность на коммерциализацию, а немотивированное искусство становится уделом избранных. Почему «к сожалению»? Попытайтесь сами ответить на этот вопрос.
Кстати, поговорим об искусстве для избранных. Сейчас это выражение несколько изменило своё значение. Раньше «избранными» считались люди высшего класса, богатые, способные покупать красивые и порой бесполезные вещи, склонные к роскоши. Именно для таких людей строили Версальский дворец или Эрмитаж в Петербурге, с их обширными коллекциями, собранными богатейшими монархами Европы. Такие коллекции могут позволить себе только очень богатые люди, правительства или организации. Но, к чести многих из таких людей, собранные ими коллекции они передавали затем государству.

И. Крамской «Портрет П.М. Третьякова»

Здесь мы не можем не вспомнить русского купца Павла Михайловича Третьякова, основателя Государственной Третьяковской галереи, или президента региональной сети железных дорог Джона Тейлора Джонстона, чья персональная коллекция произведений искусства составила основу коллекции Музея Метрополитен (Нью-Йорк). В то время художники стремились к тому, чтобы доступ к произведениям искусства был открыт для всех: для людей любого социального статуса и для детей. Сейчас это стало возможным, но именно сейчас массы не очень стали нуждаться в искусстве или нуждаются только в утилитарном искусстве. «Избранными» в таком случае уже становятся люди, интересующиеся немотивированным искусством, которое удовлетворяет, как мы говорили ранее, высшие потребности человека – потребности души, сердца и ума.

  • 5,6
  • 1133

Сегодня вечером я получила ссылкуhttp://blogbasta.kz/?p=2871 на публикацию о нашей выставке с таким подзаголовком:

Аятгали Тулеубек размышляет через призму посещенной выставки о времени, которое помнит смутно.

Во-первых, спасибо за внимание к нашей выставке. Внимательно прочла текст вышеназванного автора, и стало мне как то уят-но за многие неточности и ошибки, которые для людей, позиционирующих себя кураторами Современного Искусства попросту недопустимы.

Автор огорчает незнанием истории искусств родного Края и не только. Перечисленные в начале текста группы и имена на арт-площадке казахстанского искусства, как то «Кызыл трактор», «Кокерек»…. возникли чуток позднее (ведь в то насыщенное время «смутных” девяностых, год шел за пять), естественно, что появление и проявление среды после в-ки «ПЕРЕКРЕСТОК» дало следующий рывок в развитии нашего искусства. Помнит ли Аятгали эту знаменитую выставку или хотя бы слышал о ней ?

Ах да, забыла, ведь в ту пору Аятгали было всего 4 года!

Как можно писать о времени, помня о нем весьма «смутно»?

Использование термина о «наших» фобиях — horror vacui — «Зрителю, вследствие данной фобии (именно фобии, т. к. скорее всего скученность не является результатом продуманного и намеренного жеста и не диктуется ограниченным пространством; оно, наоборот, предоставляет щедрые возможности для экспонирования), с трудом удается получить какое-либо структурированное впечатление от выставки»
− говорят о незнании контекста, отсылкой к которому и являлась та самая скученная шпалерная развеска эпохи подвальных выставок «Зеленого Треугольника» двадцатипятилетней давности!

Именно ее мы повторили в малом зале, как раз таки осознанно и преднамеренно, сопровождая выставку фильмом «Абревиат-Ура» Володи Петухова и Игоря Полуяхтова (Игорь, кстати, был первым переводчиком, создавшим эвритмичный перевод собрания сочинений «БИТЛЗ» и «Пинк-Флойда» расходившегося по Союзу огромными тиражами). И эти слова взятые эпиграфом к выставке отнюдь не случайны! Вернусь к ним позже. Другое дело, что в большом зале, есть, конечно же, огрехи, с этим я согласна. И собранные мною тексты развешаны не идеально. Все это мы уже проговорили на обсуждении выставки с искусствоведом Назипой Еженовой₁.

Меня смущает это воинствующее невежество и псевдо-интеллектуальный апломб, которые С У Т Ь Предмета подменяет его презентативной формой. Сегодня эта тенденция времени особо актуальна!

Далее по тексту − неуместно звучит словосочетание «самовосхвалительные эпитеты» поскольку слова пресс-релиза написаны мной, а я никогда не была членом «Зеленого Треугольника». Их другом, да. Позже составляла треугольную летопись. И выразила свое реальное отношение к явлению, о котором знаю изнутри, а не понаслышке. Ну, и еще один момент – один из самых важных – выбор даты – если быть повнимательней, то увидел бы и мою работу под названием «казахские сказки»,

которая отразила в себе мифологически- исторический контекст KZ, продолжая отчасти такие наши работы как − «Молчание ягнят»-2006, «Просто в клетке»-2003,

«Узник»-2004,

«Яйцеголовые на конвейере времени» -2007 и прочие произведения арт –дуэта ZITABL, каждая из которых откликалась на реалии времени происходившие «здесь и сейчас».

В теме были работы Сауле Сулейменовой, как ее мемориальный портретный циклтак и новые работы. Можно было заметить, что на выставке представлено большое кол-во портретов. Для «треугольника”− Живые Люди были огромной ценностью, каждый из которых самостоятельное произведение. И здесь ты режешь по живому.

Что же в итоге увидел и о чем поведал наш респондент арт-сообществу?

О самих работах? – нет. Но зато узрел и вычленил:

  1. Антиевропейскую подачу работ, рожденных в условиях разваливающегося совка.
  2. Кинул камень в эпоху конца 60-х, назвав их неудачниками, не справившимися с системой.
  3. Выискал в итоге конформизм.

Так автор пишет: «известно, что данное движение оказалось в результате провальным, так как особых изменений в экономической модели общества не последовало. Подачкой власти для бунтующей молодежи стало то, что ей предоставили ту самую свободу нравов, а во всем остальном – указали на место, дескать, «поигрались и довольно».Таким образом аура 1960-х, метаморфировав во времени и пространстве, создала в Казахстане повестку «Треугольника”. Как у хиппарей, их современников, она строилась на могиле 1960-х и сводилась к немного наивным лозунгам вроде «Свобода! Любовь! Искусство!». В то время как Кулик в России лаял и кусал посетителей выставок, олицетворяя человека в ультралиберальной системе, а Бренер на Красной площади в боксерских трусах и перчатках вызывал Ельцина на бой, художники «Треугольника” брились налысо, жили на даче, пели песни под гитарку, рисовали и сопротивлялись соцреализму, который и поныне не намерен умирать как в том анекдоте про старого Рабиновича ответившего «не дождетесь!» на вопрос о его здоровье.»

Здесь извращенная цитата из воспоминания Алмы Менлибаевой о сокровенном куске своей жизни треугольного периода, вырванная из контекста выглядит издевкой, а последняя реплика о Кулике и Бренере, вообще меня рассмешила, ей богу! Не говорю уже о камне, брошенном в 60-е. Эпоху, изменившую мир ментально! На лицо незнание фактов: первые движения радикального крыла актуального московского искусства — Бренера и Кулика относятся к 1992 году. Кусались товарищи, рвали и метали, пили кровь и бегали нагишом, мастурбировали и кликушестволвали, зарабатывая свои очки и баллы, вырабатывая свои карьерные стратегии и тактики, прорывались в международный контекст этого пресловутого арт-биза…

А в 1989 -м Саша Бренер жил еще в Алма-Ате. Дружил с Рустамом Хальфиным и Лидой Блиновой. Преподавал литературу в школе и изучал в архивах наследие художника Сергея Калмыкова. В этот год я заканчивала театрально-художественный институт и, сделала свою дипломную работу – поэтический календарь, к которой Нупис написал свои стихи. Саша часто наведывался к Нурлану в гости вместе с искусствоведом Назипой Еженовой. К сведению, тогда он был еще далек от Актуального Искусства. Его прыжок состоялся позже. А я тогда я еще не знала всех «зеленых”, общалась с Саулешей и Алмушей, но уже была наслышана об их первых выставках. Роль и значение «Треугольника» описал И.Полуяхтов в своем эссе «Форма: Треугольник. Цвет: Зеленый. Свобода от истории и этнографии. Литера А»

  1. И тут наступает кульминация заметки новоявленного куратора и художника, решившего заявить о себе данной заметкой, откликнувшейся в сердцах лайкнувших и прокомментировавших соратников его тусовки, давших ему возможность поработать над среднеазитским павильном на венецианском биеналле:

Как же, выставка ведь открыта 16 декабря! Потому мы и помянули на открытии погибших минутой молчания и молитвой буддисткого монаха и нашего друга Алексея Шмыгли.

В данном случае – случилась неслучайная случайность. Спонтанно мы собрались в этом месте, где нам предоставила в дар на несколько недель выставочное пространство ее хозяйка − Карлыгаш Чубакова, как пишет Аятгали – «с эксцентричным» названием − «Белый Рояль».

И слова Леннона о любви сегодняшнему поколению в его лице кажутся «наивными». Наивен Хальфин, призывавший объединить своим глиняным колоссом ₁ разъединенное арт-сообщество, приводивший мне в беседе цитату Алана Георгиевича Медоева: У палеонтологов есть понятие «Большая загонная охота на крупного зверя, например на мамонта. В ней участвуют все люди племени. Понятно, что в данном случае под мамонтом мы имеем в виду большое искусство».

Что же происходит на самом деле после смерти мэтра казсовриска? Арт-комьюнити разложилось на тусовки, каждый из которых смотрит друг на друга, как на конкурента, а не как на сотворца, борясь за место под солнцем…

К сожалению, прискорбно бесчувствие нашего критика − не заметил ни одной работы, не описал и не почувствовал треугольный дух.

Не знает или подзабыл о радикальных высказываниях Каната Ибрагимова, идущего по следу Бренера, который, до сих пор находится в теме и высказывает свои жесткие мнение по всем животрепещущим вопросам. Плюется на коллег по цеху, принимая их за «калек». Тут необходимо заметить, если бы Канат был чистоплотнее по отношению с людьми, его бы мессаджи были б только круче.

Надо отметить, что многие чувствовали себя также неуверенно и неуютно в те годы, как и ты. Сейчас я собираю книгу под названием − «Арт-Атмосфера Алма-Аты», в которой я пытаюсь осмыслить вместе с героями книги время постперестроечных десятилетий. Одной из своих задач я вижу наладить − «времен связующую нить”₂ между разрывом поколений. Но «племя младое»₃ с циничным снобизмом и тинейджерским высокомерием пока лишь морщится и мнит себя первопроходцем.

Здесь фраза Кьеркегора из «Страха и Трепета», ниспосланная философом Жанатом Баймухамедовым на ленте фб-шных новостей, вписывается безупречно:

Что бы одно поколение ни узнавало от другого, но то, что является подлинно свойственным человеку, ни одно поколение не узнаёт от предыдущего…

Таким образом, ни одно поколение не научилось у другого любви; ни одно поколение не сталкивается с более лёгкой задачей, чем предыдущее поколение; каждое поколение начинает с начальной точки, а не с какой-либо другой… В этом отношении каждое поколение начинает с примитива, его задача не отличается от той, которая стояла перед любым другим из предшествующих поколений. Новое поколение также не идёт дальше, за исключением тех случаев, когда предшествующее поколение перекладывает на его плечи свою задачу и вводит в заблуждение.

Из переписки с Натальей Скуратовской:

Когда у людей есть шанс ухватить столько внутренней свободы, что хватит не только себе на всю жизнь, но и с окружающими будет, чем поделиться. А Аяигали родился «не там и не тогда» − и жизнь его стала «борьбой за место под солнцем» (которое рано всходит надо всеми) и самоутверждением по поводу и без…

И тут он смотрит на форму и пытается всё классифицировать и разложить по знакомым ему полочкам, пытается измерить искусство соответствием авторитетным для него стандартам или политическим эффектом, и не понимает, что главная цель искусства — не изменить мир, а изменить Человека.

₁На обсуждении выставки Назипа Еженова цитировала фрагмент из книги Василия Кандинского «О духовном в искусстве» и говорила о треугольнике как о форме, где путь одухотворения материи завершается на его вершине, сравнивая понятия духовного треугольника Аль Газали, где три вершины символизируют три состояния духовного искателя это «илим”,” хал”, «амал” знание, дух, состояние: » И такой вот странный извилистый путь соединения духовной эзотерической мысли востока и метафизики авангарда начала 20 века создают пространственно- временной континиум выставки, правда слабо артикулированный из-за недостатка времени. Так же она добавила:

− Эта выставка произошла в традициях «треугольника» без официоза, денег, обязательств и обязанностей, за которой стоит не тема дискурса власти, и тем более не полититка, а неслучайная случайность оказаться в этом месте и в это время, за которым стоит импульс творчества, радость общения, мобильность и готовность работать и встречаться, несмотря на разные судьбы у частников группы – успешные и драматичные, что дает повод собраться через N-ное кол-во времени и выдать нечто неожиданное.

Она однозначно вызвала интерес и стала событием для нашего города.

₂ Глинянный колосс — «Глиняный проект» Р. Хальфина Фигура расчлененного героя — метафора разобщенности людей в сегодняшнем мире, и в частности, нашего художественного сообщества. Она призывает к консолидации, к осмыслению ситуации и выработке стратегии, которая могла бы достойно представить Казахстан международному культурному сообществу».

Подлинное искусство не сравнится ни с чем. Оно интригует, волнует, сквозь века и поколения тянет руки к своему зрителю и касается души. Автор, вкладываясь в творение, оставляет в нём частицу вечности, доступную для понимания и потому обворожительно прекрасную.

Настоящее, но неоценённое по достоинству искусство стало причиной величайшей трагедии в жизни Мастера. Творение, которому мужчина отдал жизнь, рассудок и счастье, осталось неизвестным широкой публике. Но в том нет вины писателя. Большое количество времени ушло на неудачные попытки публикации. Сквозь отчаяние к свету продирались рукописные страницы.

Маргарита, свято верящая в неоспоримый талант, Воланд, признавший мастерство созидателя, невозможность даже предать рукопись огню — всё это говорит о величайшем следе в истории, которую оставила бы книга. Но даже не в признании единиц мы видим подтверждение шедевральности. Роман был настолько хорош, что вызывал неподдельную зависть у критиков. Он не публиковался лишь потому, что был вне времени, вне эпох. Книга Мастера не была написана для получения прибыли и в угоду широким массам. Она отвечала главному требованию — быть честной и остаться в истории.

Непризнанный талант раскрывается на страницах романа Д. Митчелла «Облачный атлас». Одна из шести историй повествует о молодом амбициозном музыканте. Вынужденный из-за трудностей быть секретарём признанного композитора, Роберт создаёт своё величайшее творение — секстет «Облачный атлас». Оно простирается по всей сюжетной линии, находит своё отражение в последующих эпохах. Секстет никого не оставляет равнодушным и становится одной из множества, но самой главной причиной разногласий между стариком Эйрсом и Фробишером. Парень осознаёт, что старый композитор уже не так гениален, как прежде, а все результаты его трудов будут утрачены из-за чужой алчности и зависти. Скоропостижная смерть создателя не стала препятствием для музыки — она разлилась в вечности, вдохновляя и затрагивая любого, кто её слышал.

Можно сделать вывод, что создателями подлинных шедевров движут низкие стремления. Они отражают в творениях свою внутреннюю суть. Но конечная цель есть, она — в возможности дать человеку забыться, остановить его на мгновение, оторвать от обыденности и позволить взглянуть в глубины космоса, прозреть истину.

Цели: Возвышение духовной жизни, укрепление мира и стабильности, сближение наций и народностей, возможность претворить в жизнь свое понимание и ответственность за культуру мира и оставить след для будущего поколения. Сохранение культурного наследия, повышение уровня музыкального и хореографического образования, дальнейшее совершенствование искусства, а также признание друг другом различных культур мира.

1) Установление созидательных и деловых контактов между творческими коллективами, государственными и общественными организациями зарубежья.

2) Возрождение, сохранение, развитие исполнительного искусства.

3) Знакомство с образцами национальной культуры и искусства зарубежья.

4) Привлечение к сотрудничеству с творческими коллективами ведущих специалистов культуры и виднейших деятелей искусств.

5) Повышение профессионального уровня творческих коллективов и отдельных исполнителей.

Задачи: Основная идея и задача организации привлечение внимания к различным вопросам и проблемам творческо-исполнительского искусства, а также современного образования во всех отраслях искусства и танца. Программы мероприятий рассчитаны на знакомство участников и гостей с различными жанрами, стилями, исполнительскими традициями и их историей, которые формируют толерантность различных народностей, творческо-эстетические мировоззрения, а также моральные основы современного общества. Это уникальная возможность приобрести бесценный профессиональный опыт и новые знания для применения их в своей практике какого либо вида искусства и танца. Основные задачи, которые стоят перед Всемирным альянсом:

1).стереть границы между организациями

2).объединить различные отрасли воедино

3).развить новые творческие модели и массовое исполнительское мастерство

4).создать системы финансирования через многоуровневое взаимодействие

5).воспитать духовно-нравственную составляющую каждого участника

6) организовать платформу для сотрудничества творческих коллективов

7) привить стремление к потребности и реализации творческих задач

Оставить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *